终于把这整本书的读后感都连载完了，好像完成一个伟大的任务一般的感觉，呵~那么既然有一个缘起，就应该有个尾声才算完整，这辈子做了太多虎头蛇尾的事，完成一件事就有一种骄傲的感觉。既然是尾声，就加一张大师的照片吧。

     有人认为艺术无用，因为不能吃、用。诚然，我坚信物质第一性这一马克思哲学观点，但仅追求物质的满足就与禽兽无异了，罗丹认为有用的东西是世上一切能增进我我们幸福的事情，尤其在物质生活已经极大丰富的今天，若没有艺术的充实，我们的生活还能有任何乐趣可言吗？

      “尘世的活动，不论他怎样残缺，总还是美善的。”我喜欢这句话，在这一点上我庆幸的与罗丹大师相近。

      米开朗基罗似乎总是表现痛苦的挣扎，我和罗丹一样不赞成他的“生之厌恶”，我不喜欢痛苦的东西，好像一切努力都只是无谓的挣扎，太累了。而古希腊那近乎于呆板的宁静我也不喜欢，少了生气。相形之下，罗丹的艺术想法到与我“存在即美好”的哲学相同！

                 

注：左为米开朗基罗的《哀悼基督》，右为菲狄亚斯的《雅典娜神像》

       罗丹所谓艺术之神秘就是艺者通过他的作品所要传达出来的，他的思索，甚至是困惑，或挣扎。艺术家的信仰是对隐藏于物质表象之下的精神的崇拜，而这也正是艺术家与工匠的根本区别所在！

            

      最近忙着感伤，忙着一些不知道什么的事，犯懒很久都没整理我的读后感，今天无论如何要勤快一下了。第七章是古代精神与现代精神，书边是空白的，并没有任何的感言留下，于是就跳到了第八章。

      这一章讨论的是艺术的思想，罗丹的想法使我解开了许久以来的疑惑，看那些名家的作品就一定要借助于背景资料吗？如果没有对圣经的熟练程度就不能看懂那些欧洲大师的作品吗？如果不了解作者的心情就不能看懂一件抽象作品吗？正如大师所说“艺术可以不必借助于文学，即能刺激观众的想象与幻梦”，我的理解就是，一件艺术品应是独立的，它可以有文学或其他什么作为背景，但须经过艺术家的挑选，使之可以表达出艺者的思想，使观者可以从作品本身，而非背景，感受到艺者所要表达的思想。

      罗丹的意思还是说艺者不必拘于题材，作品本身其实是为了表达艺者自身的思想。然而哥塞尔又一次说出了我的疑惑，而这疑惑是最终罗丹的解释也没能让我明白的，所以，列位看官若有哪位明白的，可给我留言，若能解惑，没搁盐在此不胜感激！

                                     

      这个疑惑就是我总是觉得虽然一件艺术品是能唤起观众的思想，但观者所想并不一定是艺者所要表现的啊，或许画家或雕塑家从未有过这样的想法，而是我们或评论家把它加进艺术品中的。就像小学生归纳课文中心思想时总想着最后归到崇高伟大上就一定没错一样，或是象鲁迅先生的那句“俯身甘为孺子牛”本来人家的意思就是说要不行就给儿子当牛骑，却被硬冠以甘为百姓服务的共产主义崇高精神。再举个具象一点的例子来说，我在看莫奈的《睡莲·晚间效果》时候，根本就以为那是一团火，完全没有找到睡莲的影子。所以我自我安慰说这是观者的二次创作，每个人的观点不同，他眼中的世界自会不同，正如六祖惠能所说，“不是风动,不是幡动,仁者心动。”你看到的就是你眼中的艺术，是你和作者共同创作的结果。这样的解释是否合理，我始终不曾知晓，盼能得一名师为我解惑啊！

      并非美在我们眼目之前付之阙如，而是我们的眼目看不见美。

      这大概就是我以前写在语文课本上的话——“并非着世界缺少美，而是缺乏发现美的眼睛。”虽然我很佩服傅雷在二十几岁时就能翻译这么复杂的著作，但上面的那行字实在翻译的让我不敢恭维。

      昨天还和朋友讨论到技巧与灵感的问题，今天正好更新到的这一章中，罗丹也提到了技巧与灵感的关系。“一切素描、颜色，都是贡献一种意义，失掉了这意义，它们根本就无美可言了”，“无疑的，技巧只是方法。但艺人如果忽略了它，将永远达不到他的目的，永远传达不出情操与思想。这种艺术家将无异于欲奔驰而忘记喂他牲口的骑主一样。”

      朋友总是说想法才是最重要的，手段和技巧其实并不重要，可能也是自己做惯了空想者吧，很多事情不敢去尝试，但我总觉得，艺者的笔是用来表现他的心的，只有拥有娴熟的技巧，艺者才能用笔表现出他的心！否则就算“他们的心愿是良好的，然而一只太短的手，一条太粗的腿，一个错误的远景，定要令观众失望。”

      所谓运动着的静止是我自己的归纳，这一章中，罗丹以他的《青铜时代》和《圣—扬—巴蒂斯特》为例，解释了他的运动着的静止。雕塑无疑是静止的，但你看到他时，你却明显可以感觉的到他的运动——不管是青铜时代的青年人从朦胧到觉醒的过程还是圣—扬—巴蒂斯特那行走的步伐                                                 
然而这能感觉到的运动于现实却是不符的，当你用相机拍下运动中的人时，就会发现，其实这样的动作是不可能在一个时间点内出现在一个人的身上的。用罗丹举的另一个例子更能说明这一点，就是这幅热里科的《埃普松赛马》：客观的静止的奔马应该是四肢保持在同一个方向的，而不是像画中那样伸展着四肢的。第一次读到这儿时我认为罗丹以及所有的可以称为艺术家的人们所忠于的真实是艺者眼中的真实，并不是刻板的复制客观存在。再次读到这儿的时候我发现或许艺术家是有意识的这样去表现的，因为无论是雕塑还是绘画都只能是静止的，要让观者感到所表现的运动就一定要用这样的方法，这正是这些静止艺术的巧妙之处。

      罗丹说色彩是雕刻家也有的技巧，也有可能是翻译的原因，我觉得所谓罗丹这里的所谓色彩应该是光影的明暗才对。当时看书时我认为所谓黑白交响乐并不一定是雕刻家在创作时就考虑到的，只要雕塑具有体积的凹凸，就会有这样的光影效果。现在重新想来倒也不一定，雕塑之所以在人眼中体现凹凸不就是靠着光影吗，所以凹凸与光影根本将就不可能一分为二，根本就是互为存在的。正如罗丹所说“而一切雕塑的杰作，其动人的肉感，也即是由这两个条件造成的。”

      我没能找到这雕塑的正面，那效果更惊人，叫做《丑之美》或《美丽的老宫女》，取材于法国十五世纪诗人Franccois Villon的《美丽的老宫女》一诗。

      可我总觉得人们还是热爱美好的，虽然我理解罗丹所谓的一切真实皆是美好的意思，但我还是不忍去看这雕像。可能我还是不免庸俗吧，我宁愿选择虚幻的美好，也不要那残酷的真实。                                           

      艺术总是夸张的，但罗丹总是一再强调真实，这究竟是否矛盾呢？哥塞尔有和我一样的疑问，然而在看过罗丹的解释之后就会有一种恍然大悟的感觉。所以我在书的空白处写下了“艺术必须是主观的”这一行字。艺者所表现的不是客观的现实，而是他们眼中的真，是“他心底的慧眼能深深地洞烛到自然的奥秘”。

      起名叫缘起有一种很艺术的感觉，呵呵，其实是要说明一下，我这几天要整理的我前年兴起看的一些很“艺术”的书之后的感想。

      《罗丹艺术论》是最早看的一本，以前我的语文课本上就常写着一句罗丹的名言——不是这个世界缺少美，而是缺少发现美的眼睛。所以很崇拜的看了这本书，当然也有一个原因就是那时候很迷傅雷，这个版本是傅先生很年轻的时候翻译的，非常了不起，而且他早年也是搞艺术的哦~~

       再一个原因就是我一直很好奇艺术家在创作的时候心态究竟是怎样的呢，他们又是怎样看待他们的作品和艺术的呢，因为自己做不了艺术家的缘故...

       好了，不白活了，马上进入正题，下一篇将是正式的读后感。